We are very pleased to announce the participation of Simone Fattal at the 60th Venice Biennale.
This year the Holy See Pavilion will take place in the women's prison in Venice at the Giudecca island. The exhibition, titled With My Eyes, is curated by Chiara Parisi and Bruno Racine. Simone Fattal will present an installation which includes poems contributed by some of the prisoners at Giudecca. Find more information here.
Wir freuen uns sehr, mitzuteilen, dass Jojo Gronostay einer der Gewinner des diesjährigen Dorothea von Stetten Kunstpreises ist. Die dazugehörige Ausstellung wird am 13. März im Kunstmuseum Bonn eröffnet. Mehr dazu finden Sie hier.
We are delighted to announce that Simone Fattal is the winner of this year's Berlin Art Prize. The jury which consisted of Monica Bonvicini, Karin Sander and Wolfgang Tillmans made the following statement: “Simone Fattal once reflected, ‘Everybody has to undertake their own travels toward knowledge, and then make a choice.’ Fattal has not only undertaken her journey but has invited us all to join her in this exploration of human equilibrium and the balance between the tangible and the imaginable. Her practice is a testament to the enduring power of storytelling and the ability of creativity to advocate for humanity and community. What sets Fattal apart is a profound humanism, an urgent call to address the present through history, and history through the present.” Find out more here.
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Weitere Informationen und alle Veranstaltungen der 9. Biennale Gherdëina: The Parliament of Marmots, kuratiert von Lorenzo Giusti mit Marta Papini als assoziierter Kuratorin, folgen Sie diesem Link.
Für das detaillierte Programm an Talks der "growing exhibition" besuchen Sie bitte: Museo della Montagna Turin.
It is with the utmost sadness that we acknowledge the passing of
the outstanding conceptual artist William Anastasi.
"His pieces, for all their simplicity, are not mute. They are argumentative; they deflect our energy,
and like a ball hitting a Wall, they come back at us at a different angle."
Richard Kalima, William Anastasi: Deadpan Conceptualist, in: Art in America, 1990.
We are incredibly grateful for having been able to work together for 26 years.
Our thoughts are with Dove Bradshaw and all his beloved ones.
"So it was as though for a moment, as an artist, I had sensed a little bit
of the morning, the day after. I thought, you show me a wall and I’ll show you a beautiful work of art; you show me a place where you want art to go and
I’ll show you the place itself as art."
William Anastasi, in “A Conversation” between him and the author Thomas McEvilley, published in: T. McEvilley, “William Anastasi: Selections of the Work from 1960 to 1989.” New York, Scott Hanson Gallery, 1989.
Seine Kunst: wie ein Planet – so vieles, ganz eigen, immer erkennbar. Franz Vana zeigt die Widersprüche unserer Epoche, die Gegensätze, unauflösbares Dilemma: Worte und Zahlen, scheinbar vernünftig, dagegen die Bilder – irrationale Welt der Empfindungen. Schönheit, Tristesse, Melancholie, alles in einem begegnet uns in diesem Werk – radikal und unvermittelt. Wir sehen eine gültige Gegenwelt zum Irrsinn unserer Zivilisation.
In Sol LeWitt´s Wall. Performed folgt der konzeptuell agierende Maler Franz Vana auf die performativen Interventionen von Jasmina Cibic, Franz Jochum und Winfried Ritsch. Vana setzt unter dem Themenbereich Werk und Arbeit LeWitts aufgebauter Wall sowohl konzeptionell wie physisch erfahrbare malerische Setzungen entgegen, die als Gestaltkompositionen der monumentalen Mauer gegenüberstehen.
Franz Vana (* 1951) nutzt Sprache und formale Malereidiskurse für seine distanzierten und surrealen Bildanalysen. Die serielle Kombination verwandter Vokabularien wird dabei in Wort und Bild zur konzeptuellen Methode der Überprüfung feststehender Vorstellungswelten. Der Humor dient ihm dabei manchmal als Waffe gegen sich selbst. Irrationale Ideen werden ebenso logisch und konsequent verfolgt, wie es Sol LeWitt in seinen Paragraphs on Conceptual Art schon 1967 für konzeptuelle Kunst vorschlägt. Vanas über Jahrzehnte ausgefeilte Konsequenz ebenso kritischer wie präziser Malerei macht ihn zu einem der interessantesten Außenseiter österreichischer Kunst seiner Generation und zu einem beispielhaften Gegenüber von Sol LeWitts Konzeptkunstwerk der modularen, durch den Raum gezogenen Wall.
Mehr Informationen unter diesem Link.
Wir freuen uns eine Auswahl von Arbeiten von Michael Höpfner & Richard Nonas zu zeigen.
MAUTO
Corso Unità d'Italia 40, 10126 Torino
On the occasion of Artissima, the MAUTO shows – in the days of the fair – the special installation The Velocity of Thought by the artist Paul Etienne Lincoln: designed and built in 1976 and modified several times over the years to reach the current look, the work has as its center a prototype car in full scale, equipped with motor Panhard Levassor Tigre of derivation aereonautica, fed to gasoline, propane and oil of flax.
Museo Nazionale della Montagna
Piazzale Monte dei Cappuccini 7, 10131 Torino
The exhibition Stay with Me by Michael Höpfner and Magda Drozd takes its cue from German sociologist Hartmut Rosa’s Resonance. A Sociology of Our Relationship to the World to explore the concept of resonance. Not in the sense of total harmony but as a dynamic relationship wherein subject and world touch each other to stimulate vibrancy and mutual transformation.
October 13, 6-10 pm
HOUSE
Friedrichstr. 112B, 10117 Berlin
The exhibition ‘Very Friendly‘ speaks of violence that becomes an environment—an everyday landscape of somatic unease and confinement, filled with a sense of volatility, disquiet and alienation. Taking its title from Throbbing Gristle’s song about Ian Brady and Myra Hindley, the exhibition traces the moments of pre- and post-violence, the invisibility of systemic cruelty and the orchestration and management of fear. Political and personal uncertainty and the ambivalence of one’s safety seep through the cracks in the floor and broken windows, implanting themselves in the scratches on the walls, moving silently and stilly—resulting in a psychological state that approaches madness.
With: Adam Alessi, Davide Allieri, Angélique Aubrit & Ludovic Beillard, Darja Bajagić, Blackhaine, Allen-Golder Carpenter, Romeo Castellucci, Maggie Dunlap, Adam Gordon, Anne Imhof, Jack Kennedy, Sibylle Ruppert, Throbbing Gristle, Minh Lan Tran, Rosemarie Trockel, Mauro Ventura
This is his inaugural solo presentation in both South Korea and in Asia as well as the first comprehensive show within an institutional context since his passing in 2021.
We are pleased to present a selection of works by the artists Mary Ellen Carroll, Simone Fattal, Jojo Gronostay, Michael Höpfner, Birgit Jürgenssen, Katherine Porter and Franz Vana.
Curated by Liberty Adrien and Carina Bukuts
Opening: 23. Juni 2023, 18 Uhr
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In der Rotunde der Pinakothek der Moderne zeigt der in Chile geborene und in New York lebende Künstler, Architekt und Filmemacher Alfredo Jaar, warum er als einer der kulturell, politisch und gesellschaftlich engagiertesten bildenden Künstler unserer Zeit gilt. Der verstorbene Okwui Enwezor schrieb: „Alfredo Jaars Werk stellt eines der Engagiertesten eines zeitgenössischen Künstlers dar, indem er die strukturelle Verbindung zwischen Ethik und Ästhetik, Kunst und Politik unverhohlen aufgreift“. Der Künstler erforscht komplexe sozio-politische Themen und stellt die Ethik der Repräsentation in den Vordergrund. In seinen stillen und meditativen Werken setzt sich Jaar mit Themen von großer Tragweite auseinander, indem er Zeugnis von humanitären Katastrophen ablegt und die Auswirkungen militärischer Konflikte, politischer Korruption und wirtschaftlicher Ungleichheit auf der ganzen Welt aufzeigt.
Eröffnung: 28. März 2023, 19 Uhr
Vortrag von Alfredo Jaar: 29. März 2023, 19 Uhr, Ernst von Siemens-Auditorium
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Mit Arbeiten von Andreea Albani (RO), Ștefania Becheanu (FR/RO), Andrei Bucovanu (RO), Mircea Cantor (FR/RO), Ștefan Curelici (RO), Judith Fegerl (AT), Adrian Ganea (RO), Marie-Claire Messouma Manlanbien (FR), Sebastian Moldovan (RO), Ciprian Mureșan (RO), Cristian Rusu (RO), Sinta Werner (DE), Anna Zvyagintseva (UA).
Kuratorin: Diana Marincu
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Paolo Agliardi - Andrea Cuomo - Enrico Giliberti
Galleria Michela Rizzo - Galerie Hubert Winter - Humboldt Books
Buchpräsentation "From Here to Tibet—a conversation between two walking artists" herausgegeben von Humboldt Books, Milano mit Andrea Lerda, Kurator, Museo della Montagna Turin.
Vor zwölf Jahren hat Judith Fegerl einen Wiener Kunstraum zeitweilig seiner Elektrizität beraubt: Alle Steckdosen sowie Licht und Schalter entfernte sie, sodass die Kabel, Drähte und Einbauten freigelegt wurden, die sonst den versteckten operativen Unterbau des Hauses bilden. Mit dem Fokus auf Energie in unterschiedlichen Ausformungen operiert Judith Fegerl in verschiedenen Medien und konzeptiven Arbeiten am zentralen Versorgungsorgan der modernen Zivilisation. Sie versteckt nichts, legt alles offen. Sie baut funktionierende Systeme, die das Potential und die Infrastruktur des Ortes analytisch und konstruktiv nutzen. Für ihre Ausstellung „on/“ arbeitet Fegerl an neuen skulpturalen wie auch zweidimensionalen Werken und Objekten, die ortsspezifisch in zweierlei Hinsicht, nämlich architektonisch und geschichtlich, mit dem Raum umgehen.
Fegerls medial vielfältige künstlerische Arbeit erforscht die Möglichkeiten elektrischer Energie als bildhauerisches und bildgebendes Material. So provoziert die Künstlerin eine Reflexion über die Verfügbarkeit von und den Umgang mit Ressourcen, indem sie über die Faszination für zeitbasierte, transformative Prozesse von Kräften und Materialien einen experimentellen Raum eröffnet. Die Verknüpfung einer Ästhetik des Funktionalen mit der Autonomie der Kunst leistet einen entscheidenden Beitrag in den aktuellen Debatten um Ausstellungspraktiken und deren Verantwortlich- sowie Möglichkeiten, ist aber auch ein Kommentar zu einer gesamtgesellschaftlichen Haltung in unserer an Komplexität zunehmenden Gegenwart.
„Man kann sie nicht sehen, man kann sie nicht hören, und man kann sie bis zu einem gewissen Grad auch nicht spüren. Trotzdem ist elektrische Energie die Grundlage unseres modernen, technologisierten Lebens: Fortschritt und Entwicklung, Nutzen und Luxus, aber auch Konflikte über Verteilung und Bereitstellung und vor allem die Umweltproblematik – Energie ist ein hochpolitischer Stoff.“ (Judith Fegerl)
Judith Fegerl wurde 1977 in Wien geboren, wo sie heute lebt und arbeitet. Sie absolvierte den Studiengang „Visuelle Mediengestaltung und digitale Kunst“ an der Universität für angewandte Kunst in Wien bei Karel Dudesek, Thomas Fürstner und Peter Weibel (Diplom 2004). Zeitgleich studierte sie an der Akademie der bildenden Künste Wien „Kunst und neue Medien“ bei Peter Kogler und Birgit Jürgenssen (Diplom 2006). 2019 erhielt die Künstlerin den Medienkunstpreis der Stadt Wien und kürzlich wurde sie mit dem Dagmar-Chobot-Skulpturenpreis 2022 ausgezeichnet.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
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Main Section
Corridor Black
Booth 12
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Anlässlich der Eröffnung ihrer Ausstellung THEIR TABLE IS TOO LONG kooperiert Mary Ellen Carroll mit dem österreichischen Komponisten und Musiker Rupert Huber für die Performance mit dem Titel The Wrong Door, die sich auf das Werk und Leben von Natalia Ginzburg bezieht, einer italienischen Schriftstellerin, Politikerin und Antifaschistin. Die Performance wird zum ersten Mal als Work in Progress öffentlich präsentiert.
The Wrong Door
Performance
Rupert Huber live
FM by Mary Ellen Carroll / MEC, studios
Rupert Huber ist ein österreichischer, in Wien lebender Komponist, Musikkünstler und Musiker. Die Musik von Rupert Huber besteht aus organisierten Strukturen, Klängen und Tönen für verschiedene bekannte und unbekannte reale und elektronische Räume: Dimensional Music. Er ist auch bekannt für seine Gruppe TOSCA – zusammen mit Richard Dorfmeister – die in den letzten 20 Jahren 14 Alben veröffentlicht hat.
Judith Fegerl (*1977 in Wien) arbeitet mit dem Material Energie. Ihre Skulpturen, architektonischen Interventionen und Raumzeichnungen verhalten sich wie Transformatoren und schalten sich in die Substanz des Ausstellungsraumes ein. Judith Fegerls Werk macht
diese chronische Elektrizitätsabhängigkeit höchst eindringlich sichtbar, wenn sie etwa Metallarbeiten schafft, deren ganzer Zusammenhalt von Elektrizität abhängt, elektrische Schnittstellen des Ausstellungsortes angezapft werden oder Arbeiten – ganz autark – Strom erzeugen. Energie und Spannung wird in Objekte verdichtet, die den Skulpturenbegriff um einen alternativen Zustand erweitern, beunruhigende Zusammenhänge erzeugen und nicht zuletzt auch den menschlichen Körper in einer zunehmend dematerialisierten Umgebung reflektieren. Sie lebt und arbeitet in Wien.
* Nina Tabassomi, aus dem Text: Judith Fegerl, in charge, 2017
Ebenfalls präsentiert werden Werke von:
Hanna Besenhard/ Michael Jimenez/ Isi Rosenberg/ Luca Sabot/ Miriam Schenkirz/ Egor Urakov
Preisstifterin Dagmar Chobot und Bildrecht-Geschäftsführer Günter Schönberger vergeben den Dagmar Chobot Skulpturenpreis 2022 an Judith Fegerl. Der Nominierungspreis würdigt die vielfältigen Präsentationen, in der die Künstlerin die Schnitt- und Anschlussstellen von Technik und Körper, Technologie und Bewusstsein, anorganischer und organischer Materie sowie das Potenzial von Energie sichtbar macht.
Judith Fegerls Skulpturen, architektonische Interventionen und Raumzeichnungen verhalten sich wie Speicherorte unsichtbarer Energie. Ihr „ Co-Laborieren mit einer unsichtbaren Kraft“, wie Fegerl ihre Strategie in der Handhabung von Strom beschreibt, fordert die Substanz des Ausstellungsraumes heraus – oftmals mit unvorhersehbaren Ergebnissen. Ihre Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Phasen der Erzeugung, der Verteilung und der Speicherung von Energie verweisen dabei auf unsere Elektrizitätsabhängigkeit – einen auf vielen Ebenen spürbar werdenden Spannungszustand, den die Künstlerin in die klassischen Leiter Aluminium, Kupfer und Messing übersetzt und geschickt in ein energetisches Gleichgewicht zu bringen versucht. Die Werke bedienen sich dabei mancherorts ungeniert an den vorherrschenden Ressourcen, indem sie etwa die Stromquellen des Ausstellungsortes anzapfen, oder sie lösen sich gänzlich aus unserer Kontrolle, funktionieren autark.
Judith Fegerl wirft zentrale Fragen des Anthropozäns auf, insbesondere inwiefern sich das Verhältnis zwischen Mensch und Technologie wandelt und welche Spuren Energie in unserem Leben hinterlässt. So bietet ihr photovoltaisches “End-of Life”-Szenario sunset (2021/22) nicht nur faszinierende Detailansichten auf die gewebeartigen Strukturen von Solarpaneelen und deren schillerndes, polykristallines Silizium, sondern macht zudem die Folgen ihres jahrzehntelangen Einsatzes als Stromerzeuger sichtbar. Mit der Werkserie verdeutlicht Fegerl unsere Anstrengungen, der Abhängigkeit von Erdöl und Erdgas zu entrinnen und erweitert den Skulpturenbegriff um einen alternativen Zustand. Diese Faszination am Wesen der Energie verdeutlicht sich in einer Vielzahl skulpturaler Arbeiten, etwa, wenn Judith Fegerl Stromleitungen kontrolliert überlastet und mit deren glühend heißem Draht Brandspuren auf Galeriewände zeichnet (cauter, seit 2012), oder wenn sie schwere Edelstahlplatten einem galvanischen Bad und somit einer elektrochemischen Transformationen unterzieht (series of electric shocks, 2021). Immer gilt: das eigentliche Objekt ist niemals (nur) das, was man sieht. Es ist das, was zwischen den Platten, Stäben und Stromleitern passiert, was Judith Fegerl antreibt und, wie Martin Kugler bezeichnend zusammenführt: „Ihr Werk ergibt sich aus der Kombination des Potenzials, das in der Energie steckt und den physischen Artefakten, in denen diese Kräfte wirksam werden.“ (Begründund der Jury)
We are very pleased to present at this year's edition of Frieze London a selection of works by
SIMONE FATTAL, JUDITH FEGERL, BIRGIT JÜRGENSSEN, SHIGEKO KUBOTA and SARAH PICHLKOSTNER.
Galerie Hubert Winter
Booth G18, Main Section
PREVIEW
October 12 & 13, 2022
11am–6pm
PUBLIC OPENING HOURS
October 14–16, 2022
Friday & Saturday 11am–7pm
Sunday 11am–5pm
The Regent’s Park
London
Get an insight via the Online Viewing Room of Galerie Hubert Winter.
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Im Rahmen der Reihe (Con)temporary Fashion Showcase ist unter dem Titel MAGIC CANNOT CROSS THE SEA eine Videoinstallation von Jojo Gronostay zu sehen. Darin beschäftigt er sich mit den sogenannten Sapeurs von Brazzaville (Republik Kongo) – meist Männer aus prekären Verhältnissen, die Designeranzüge tragen und ihrer Kleidung eine spirituelle Dimension beimessen. Mit choreografiert wirkenden Bewegungen machen sie die Straßen zu ihrem Laufsteg. Gleichzeitig thematisiert Gronostay anhand von Überblendungen der Videoaufnahmen mit Museumsobjekten die eurozentristische Auffassung von Mode, die historischen Kostümsammlungen von Kunstgewerbemuseen wie dem MAK zugrunde liegt.
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Independent Art Fair
Spring Studios
50 Varick Street
New York, NY 10013
5th Floor
VIP Preview
May 5, 2022
11AM – 8PM
Fair Days
May 6–8, 2022
Friday & Saturday 12AM – 7PM
Sunday 12AM – 6PM
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Das bildnerische Werk des Malers und Farbforschers Ingo Nussbaumer umfasst Gemälde, Lichtobjekte und Farbe im Raum. Es ist nicht nur die absolute Geometrie, die Ingo Nussbaumer beherrscht, es sind auch die Farben, die seine künstlerischen und theoretischen Arbeiten bestimmen. Anhand von zwei ausgewählten Gemälden der Sammlung Leopold wird Nussbaumer zum Thema „Malerei und Farbenlehre" sprechen und seine künstlerische und wissenschaftliche Arbeit an der Farbe im Vortrag vorstellen.
Jojo Gronostay ist für das diesjährige Vordemberge-Gildewart Stipendium nominiert. Ab 2. Juni ist seine Arbeit im mumok in Wien zu sehen.
Die Vordemberge-Gildewart-Stiftung vergibt 2022 gemeinsam mit dem mumok ein hochdotiertes Stipendium für Kunstschaffende bis 35 Jahre. Die Werke der Nominierten werden im Sommer im mumok gezeigt.
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Temporary Atlas: Mapping the Self in the Art of Today zeigt eine Auswahl von Werken, die eine alternative, ergänzende Idee zur Kartografie, der traditionellen Wissenschaft oder Praxis des Kartenzeichnens, erkunden. Sie schlagen perzeptive und physische Karten vor, die Einblick in die persönlichen Erfahrungen der Künstler*innen geben und gleichzeitig mentale Landschaften evozieren, in denen sich die Betrachter*innen orientieren können; Welten jenseits objektiver geografischer Koordinaten.
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Nil Yalter (b. 1938) has received the outstanding merit award for artists along with the Vera Molnar (b. 1924) at this year's Prix AWARE.
This jury panel is composed of Alfred Pacquement (honorary general heritage conservation officer, former director of the musée national d’Art moderne – Centre Pompidou), president of the panel, Alexia Fabre (director and head curator of the MAC/VAL, Vitry-sur-Seine), Stijn Huijts (director of the Bonnefantenmuseum, Maastricht), Dominique Guyot (collector), Camille Morineau (director of exhibitions and collections of the Monnaie de Paris, co-founder and chairwoman of AWARE), Frances Morris (director of Tate Modern, London) and Floriane de Saint Pierre (collector).
corridor green / Booth 13
online catalogue
OVAL Lingotto Fiere, via Giacomo Matté Trucco 70, Turin, Italy
Birgit Jürgenssen (1949-2003) gehörte neben Valie Export und Maria Lassnig zur Avantgarde der 1970er Jahre in Österreich. An kunsthistorische Traditionen, wie den Surrealismus, anknüpfend, entwickelte sie im Stillen ein eigenständiges Œuvre, das neben einem großen Fundus an Zeichnungen auch Skulpturen, experimentelle Objekte, Videos und vor allem Fotografie umfasst. Unter dem Titel Ich bin. zeigt die Kunsthalle Tübingen die erste umfassende Werkpräsentation der Künstlerin in Deutschland.
Dreh- und Angelpunkt im Werk von Birgit Jürgenssen ist der weibliche Körper. Dieser ist nicht nur Gegenstand ihrer in realistischer Manier ausgeführten Zeichnungen, mit denen sie ihre Lebensumwelt selbstironisch porträtiert. Der Körper ist auch erste Erfahrungsinstanz, der von ihr als psychisch-mentaler und emotionaler Resonanzraum erforscht wird. In über 1000 Zeichnungen hat sie mit seismografischem Spürsinn festgehalten, was dem begrifflichen und damit bewussten Erfassen vorausgeht.
Zwischenmenschliche Beziehungen, Sexualität, gesellschaftlich bedingte Schönheitsvorstellungen und Geschlechterverhältnisse werden von ihr mit subversivem Humor ebenso reflektiert und dekonstruiert wie tiefere Schichten ihrer eigenen Identität.
Der gesellschaftlichen Umbruchsituation in den 1970er Jahren entsprechend, reagiert sie sensibel und kritisch auf eine zunehmend industrialisierte und damit „entzauberte“ Umwelt und spürt, geleitet von einem sinnlich-instinktiven Empfinden, der Wesensverwandtschaft von Mensch, Pflanze und Tier nach. In der Tradition der Surrealisten verwandelt sie den menschlichen Körper, das Tier und die Pflanzen in traumartigen Szenarien in Mischwesen. Indem sie den menschlichen Körper mit dem Adersystem von Blättern gleichsetzt, werden alte Mikro-Makro-kosmos-Vorstellungen für die Gegenwart produktiv gemacht. Ihre Zeichnungen, Collagen und Fotomontagen sind von einer empathischen Fantasie gegenüber der Natur geprägt und zeugen von einem integralen Bewusstsein, dass wir in einer unsichtbaren Wechselwirkung mit der uns umgebenden Umwelt stehen.
Das umfassende Werk von Birgit Jürgenssen ist nicht nur als kollektives Zeitzeugnis interessant, das das Lebensgefühl und den Zeitgeist von den 1970er über die 1980er bis in die 1990er Jahre wiederspiegelt. Ihr körperbezogener Ansatz erhält gerade heute, in einer Zeit in der es durch die Digitalisierung zu einer zunehmenden Verflachung der Alltagswahrnehmung kommt, neue Aktualität. Ihr Werk, das aus dem Intimen kommt, steht nicht zuletzt für ein authentisches, innengeleitetes Leben und letztlich auch für den selbstbestimmten und emanzipatorischen Impuls der Kunst.
Die Retrospektive wird in enger Zusammenarbeit mit dem Estate Birgit Jürgenssen /Wien entwickelt.
Kuratoren:
Dr. Nicole Fritz, Natascha Burger (Estate Birgit Jürgenssen)
Hauptleihgeber:
Estate Birgit Jürgenssen, Wien
Private Leihgeber
Sammlung Verbund, Wien
Umrahmung schräg gekippt. Die Sammlung Liaunig in Bewegung.
kuratiert von Günther Oberhollenzer
Künstler: Marc Adrian, Bernard Aubertin, Joannis Avramidis, Joachim Bandau, Josef Bauer, Hans Bischoffshausen, Alighiero e Boetti, Hellmut Bruch, Tony Cragg, Gunter Damisch, Inge Dick, Heinrich Dunst, Manfred Erjautz, Johann Feilacher, Karl Anton Fleck, Gerhard Frömel, Heinz Gappmayr, Jakob Gasteiger, Bruno Gironcoli, Roland Goeschl, Dorothee Golz, Franz Grabmayr, Franz Graf, Evelyn Gyrcizka, Alfred Haberpointner, Hans Hartung, Julie Hayward, Rudolf Hoflehner, Giselbert Hoke, Wolfgang Hollegha, H+H Joos, Martha Jungwirth, Franco Kappl, Herwig Kempinger, Gudrun Kleinberger, Michael Kienzer, Imi Knoebel, Kiki Kogelnik, Peter Kogler, Kurt Kocherscheidt, Franz Stefan Kohl, Peter Krawagna, Suse Krawagna, Eric Kressnig, Richard Kriesche, Maria Lassnig, Christoph Luger, Gottfried Mairwöger, Dóra Maurer, János Megyik, Jürgen Messensee, Josef Mikl, Hannes Mlenek, Kurt Moldovan, Walter Moroder, Gerhardt Moswitzer, Robert Motherwell, Matt Mullican, Hermann Nitsch, Ingo Nussbaumer, Franz Xaver Ölzant, Fritz Panzer, Max Peintner, Helga Philipp, Walter Pichler, Josef Pillhofer, Raimund Pleschberger, Rudolf Polanszky, Markus Prachensky, Karl Prantl, Maria Elisabeth Prigge, Arnulf Rainer, Werner Reiterer, Alois Riedl, Franz Rosei, Georg Salner, Fabian Seiz, Roman Scheidl, Meina Schellander, Alfons Schilling, Eva Schlegel, Walter Schmögner, Martin Schnur, Klaus J. Schoen, ManfreDu SCHU, Christian Schwarzwald, Pierre Soulages, Rudi Stanzel, Hans Staudacher, Esther Stocker, Erwin Thorn, Andreas Urteil, Wolfgang Walkensteiner, Franz Erhard Walther, Markus Wilfling, Max Weiler, Fritz Wotruba, Franz Zadrazil und Heimo Zobernig.
www.hauskonstruktiv.ch
Das Museum Haus Konstruktiv widmet der österreichischen Künstlerin Helga Philipp (1939–2002) die erste institutionelle Einzelausstellung in der Schweiz. Mit ihrem Werk, das im Umfeld der kinetischen Kunst und der Op-Art anzusiedeln ist, leistete Philipp einen wichtigen Pionierbeitrag zu den konstruktiven Tendenzen in Österreich.
Hybrids focusses on a generation of young artists, often labeled as post-internet, which takes our global, digital, and image-saturated world as a starting point for their work. This results in a vocabulary that is strikingly hybrid in character.
Hybrids will present new works by
Neïl Beloufa (FR), Giulia Cenci (IT), Simon Denny (NZ), Oliver Laric (AU), Sarah Pichlkostner (AU), Timur Si-Qin (DE), Evita Vasiljeva (LV), Anne de Vries (NL), Raphaela Vogel (DE) and Dan Walwin (GB).
Curators: Chris Driessen & David Jablonowski
Artists: Ei Arakawa / Nikolas Gambaroff, Georg Baselitz, Nina Beier, Andy Hope 1930, Barbara Mungenast, Paulina Ołowska, Yan Pei-Ming, Imran Qureshi, Shuvo Rafiqul, Franz Schubert, Sung Tieu, Danh Vō, Kay Walkowiak, Hans Weigand, Guan Xiao, Lei Xue, Jakub Julian Ziółkowski
Curator: Goschka Gawlik
for more information please visit: manggha.pl
Mit einer umfassenden Einzelausstellung von Haim Steinbach (*1944 in Rehovot, Israel) präsentiert das Museum Kurhaus Kleve einen der einflussreichsten Künstler der Gegenwart.
Steinbach prägt die Kontextbefragung von Objekten entscheidend, indem er anders als seine Malerkollegen von Beginn an mit Objekten und ihrer Zurschaustellung arbeitete. Fälschlicherweise aufgrund seiner Verwendung von Konsumgütern als Anhänger von „Consumer Culture“ bezeichnet, drehen sich seine Arbeiten weniger um den Status als Ware als vielmehr um die Selektion und das Arrangement von Alltagsobjekten sowie den damit verbundenen Eigenschaften. Die Einzelausstellung von Haim Steinbach im Museum Kurhaus Kleve entsteht in Kooperation mit dem Museion in Bozen.
SASKIA NOOR VAN IMHOFF – SARAH PICHLKOSTNER – DONALD JUDD – ARNULF RAINER
Kanten Winkel Linien Kurven
Eine Inszenierung von Rudi Fuchs
mit Maarten Bertheux
In September 1978, Marcia Hafif published in the American magazine Artforum an article, entitled “Beginning Again” in which she analyzed the context of her return to painting six years before. Her pictorial career really took off when she was based in Rome between 1961 and 1969, during which she explored programmatically a form of abstraction.* Then followed a conceptual Californian parenthesis in which the media of photography and video acted as her preferred ways of working.
Pigment as Shape reveals the epidermic minimalism of Marcia Hafif. Instead of critically stripping bare the colors in a distant manner, she pragmatically and poetically discloses their succulent flesh. Her seemingly tautological, smooth covering of the canvases with exactly the colors that give their names takes a phenomenological turn. They extoll the pigmental materiality - a visual-spiritual substance, the exuberant inner shape of painting, calling for contemplation.
Muzeul de Artă Recentă / Museum of Recent Art
Primăverii 15, București
On 7 March, the first major retrospective in Italy of the work of Birgit Jürgenssen (Vienna, 1949–2003) will be held, among the leading artists in the international feminist avant-garde.
The wide-ranging oeuvre of Birgit Jürgenssen reflects on and deconstructs stereotypical relationships, sexuality, socially determined notions of beauty and gender relations, all with subversive humour as if they were deeper layers of her own identity.
The show, curated by Natascha Burger and Nicole Fritz and staged in collaboration with the Estate Birgit Jürgenssen, the Kunsthalle Tübingen and the Louisiana Museum of Modern Art, offers an overview of the entire oeuvre of the Austrian artist: more than 150 works produced over 40 years of research, including her drawings, collages, sculptures, photographs, rayogrammes, gouaches and cyanotypes.
The exhibition is accompanied by a catalogue, published by Prestel, with texts by Natascha Burger, Nicole Fritz, Maurizio Cattelan, Lorenzo Giusti, Jessica Morgan, Gabriele Schor, Jasper Sharp, Abigail Solomon-Godeau.
GENERATIONS
Hall 3 – Booth C33
fieramilanocity
viale Scarampo
20149 Milan
COLLABORATIONS
HALL 11.1
BOOTH B43
Koelnmesse
Messepl. 1
50679 Cologne
Louisiana presents the first exhibition in Scandinavia with Austrian avantgarde-artist Birgit Jürgenssen. Her sharp and humorous work revolves around rigid gender roles, identities and freedom of choice.
Birgit Jürgenssen (1949-2003) belongs to a strong circle of Austrian women artist who emerged in the 1970s such as Maria Lassnig and Valie Export. As early as the age of eight Jürgenssen was imitating works by Pablo Picasso and signing them BICASSO Jürgenssen.
Playing with different identities and the deconstruction of the patriarchal world order later became major features of Jürgenssen’s artistic activity. In drawings and photography, Jürgenssen’s preferred media, she thematized the role of woman in society, deploying an acerbic, subversive sense of humour.
In one of her best known photographic works we see Jürgenssen herself through a glass door dressed as housewife with her face pressed against the door, upon which is written “Ich möchte hier raus!” – “I want out of here!” – out of the home, that is. In a drawing from the same time the housewife is depicted literally as a wild lion in a cage. Jürgenssen’s works are not only a war-cry against the structural oppression of women; at the same time they present the possibility that a woman (or man) can break out of a role and don the mask or identity she or he wants for her/himself.
The exhibition presents more than 70 works and has been organized in collaboration with Estate Birgit Jürgenssen, Kunsthalle Tübingen and GAMeC Museum in Bergamo.
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Saturday, 14th of December, 2019
12.00 - 12.40
Isin Önol in Conversation with Nil Yalter, Fiona Liewehr and Ramesh Daha
The Other is Oneself: Conference
Franz Josefs Kai 3, 1010 Vienna
Die Eröffnungsausstellung der ALBERTINA MODERN "The Beginning. Kunst in Österreich 1945 bis 1980" bietet erstmals einen umfassenden Überblick einer der innovativsten Epochen österreichischer Kunstgeschichte. Die Schau präsentiert die wichtigsten Positionen an der Schwelle zur Postmoderne – vom Wiener Phantastischen Realismus über die frühe Abstraktion, den Wiener Aktionismus, die kinetische und konkrete Kunst sowie die österreichische Spielvariante der Popart bis zu dem für Wien so kennzeichnenden gesellschaftskritischen Realismus.
All I do is make things and present them. Art presents a reality. Art doesn’t present a metaphor. The conversation with society is not: what is the function of art? The conversation with society is: what do people do with this stuff that other people make? What do people do with the idea that there are human beings making things and placing them in the world and that those things are just means for other people to understand their relationship to the world?
Lawrence Weiner
For the summer of 2020 MACRO presents TRACCE / TRACES, an exhibition by Lawrence Weiner produced by the museum with the aim of getting out of conventional spaces and looking to the sky, thanks to a series of aerial banners along the coast, from Ladispoli to Anzio.
The exhibition, devised by Luca Lo Pinto, links back to the book of the same title produced in 1970 for Galleria Sperone, edited by Germano Celant, which focused on translation. The project envisioned by Weiner shortly after Celant’s death is also a tribute to the late Italian curator.
Exactly fifty years after the release of the publication, the artist has selected ten of the fifty works included in the book. They all consist of a single word, corresponding to the past participle of a verb that suggests an action that could have happened in the past, or could be expected for the future. The verbs, isolated and removed from any syntactic context, lend themselves to open interpretation.
From 16 to 25 August, along the coastline most popular with Romans, the exhibition will present a different work each day. Though in the past there have been individual works made with airplane condensation trails (Bruce Nauman and Marinus Boezem), TRACCE / TRACES is the first solo show by an artist ever presented in the sky.
An artist’s book will be produced for the occasion, thus completing an ideal circuit.
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Marcia Hafif is participating in Museum for Preventive Imagination–Editorial, the first exhibition devised by MACRO's artistic director Luca Lo Pinto.
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It is with the utmost sadness that we acknowledge the passing of the outstanding artist, companion and most of all our dear friend Lawrence Weiner.
Lawrence Weiner’s solitary approach to the object of art irreplaceably changed and revolutionized the meaning of the work of art. The same way he left an ineradicable mark in art history, he unforgettably shaped the cityscape of Vienna.
His intelligence was only equalled by his kindness, his radicality only by his cheerfulness as his straightforwardness only by his foresight. We are endlessly grateful for having been able to work together for 40 years and our thoughts are with Alice and Kirsten and all his beloved ones.
“IN THE STILL OF THE NIGHT”
Lawrence Weiner (1942–2021)
Joel Fisher
Revising Chance
28 Seiten mit 12 Farbabbildungen
12,0 × 18,7 cm
Softcover
Erscheint als Band VI in der Reihe Carpe Diem, anlässlich der Ausstellung Joel Fisher. Escape from Source, bei Galerie Hubert Winter in einer Auflage von 99 Exemplaren.
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"THE ROLE OF OBJECTS IS TO RESTORE SILENCE."
(Richard Nonas, Two Trees; About Right, 2013.)
It is with profound sadness that we have to announce the passing of the outstanding artist
Richard Nonas. On May 11, Nonas passed away at the age of 85 in New York City.
The loss to his beloved ones, his friends and fellow artists is beyond measure.
We commemorate and remember more than 30 years of friendship and collaboration.
Der Preis der Kunsthalle Wien ist eine Kooperation der Kunsthalle Wien mit der Akademie der bildenden Künste Wien und der Universität für angewandte Kunst Wien. Die Ausstellung zum Preis der Kunsthalle Wien 2021 findet zum ersten Mal als Gruppenausstellung statt und versammelt acht Künstler*innen, die letztes Jahr an der Akademie der bildenden Künste Wien oder der Universität für angewandte Kunst Wien ihr Studium abgeschlossen haben.
Künstler*innen: Diana Barbosa Gil, Cho Beom-Seok, Jojo Gronostay, Ani Gurashvili, Lukas Kaufmann, Nora Severios, Anna Spanlang (mit Textilskulpturen von Sunny Pfalzer), Chin Tsao
Kurator*in Anne Faucheret
Heels – a performance by Anna Franceschini and Jojo Gronostay inspired by Chiara Vecchiarelli, and the new version of Up and Down the Heels – will take place on Saturday, September 18 in Milan, at Casa Flash Art, via Durini 24 – 20122 Milan, from 6 pm to 10 pm.
Besides the performers’ bodies, only heels fallen off shoes are in the space. They were found by Jojo Gronostay on the market stalls of Accra, Ghana. Broken, perhaps lost, carrying a feeble hope for redemption. They waited there as if they were looking for a fit, perhaps the secret twin of the one shoe they fell from, a message in a bottle sent via the ocean of second-hand goods—almost a Duchampian rendezvous with a time and a space yet unknown. Freed from the waiting, they took on a sculptural dimension in the eyes of Gronostay, and a performative one through the encounter with Anna Franceschini. Freed from the determinations that were previously assigned to them, they stand as emancipated forms forgetful of their previous life. Perhaps in search for a memory they can no longer access, they are too far from a life that saw them arriving in Africa from Europe and back to Europe from Africa, loaded with a whole range of symbols of domination, customs and politics. They somehow emancipated themselves and appear to be sharing their new agency with a group of performers and dancers.
By a swimming pool surrounded by black marble and carpet, a distilled set of gestures unfolds in the space, dislocating the distance between the feet and the ground, the living and the planet to the walls, the necks, the knees. Performed, the space breaths, the heels fall down. Once on the floor, the heels stay where they fell, like clothes fallen on the floor a moment before making love, like water filling a pond after spinning counterclockwise at the other end of the planet, inhabiting the space as if they were the silent witnesses of the one moment in which a perspective flipped, forgot its past, glimpsed at a new imaginal life. Then, the performance loops. A French poet said of heels they are meant to elevate women who are too close to nature. Heels reduces such distance until it collapses in a new paradigm. One of a life that stands on this side of the separation, always ready to molt.
Heels is presented by Galerie Hubert Winter, Vienna and Vistamare / Vistamarestudio, Pescara / Milano in collaboration with Flash Art, in the context of miart, Milan’s international modern and contemporary art fair.
The performance is open to the public upon reservation of a time slot.
Reservations can be made at rsvp@vistamarestudio.com.
Mit Werken von:
Heike Bollig, Miklós Erhardt, Andreas Fogarasi, Jojo Gronostay, Markus Hanakam und Roswitha Schuller, Stefan Klampfer, Sascha Mikel, Orthochrome – Archiv für analoge Alltagsfotografie, Edith Payer mit Stefanie Wong, Stephanie Senge, Anna Vasof, Hui Ye
Kuratierung: Edith Payer und Gudrun Ratzinger
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The monumental neon artwork, indestructible language, by New York-based conceptual artist and activist Mary Ellen Carroll/MEC studios illuminates the Glasgow Skyline During 2021 United Nations Climate Change Conference in Glasgow (COP26). The installation was launched on Saturday, October 30, on the eve of UN Climate Conference.
indestructible language consists of three meter high illuminated red neon characters made of lead-free glass, powered 100% by renewable energy, spelling out the phrase: IT IS GREEN THINKS NATURE EVEN IN THE DARK. The artwork is situated on the roof of The Schoolhouse, an historic Victorian building in the centre of Glasgow, visible from COP 26 and the M8, the busiest motorway in Scotland, where it will be seen by millions both locally and virtually.
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Wir freuen uns die Teilnahme von Simone Fattal an der 59. Biennale in Venedig anzukündigen.
Die Ausstellung mit dem Titel "The Milk of Dreams"—kuratiert von Cecilia Alemani—wird vom 23. April bis zum 27. November 2022 stattfinden.
Die Sammlungspolitik eines Museums wird selten in der Öffentlichkeit diskutiert. Die richtungsweisenden Entscheidungen werden gleichsam hinter den Kulissen getroffen. Das Museum der Moderne Salzburg präsentiert deshalb dem Publikum eine Auswahl der Neuzugänge der letzten sieben Jahre in einer großen Sammlungsausstellung. Die Ausstellung gibt Einblicke in die Sammlungspolitik des Museums und zeichnet auf transparente Weise nach, nach welchen Kriterien Werke Eingang in die Sammlungen gefunden haben.
Für weitere Informationen folgen Sie diesem Link.
The light is back
We might live in a digitalized world, but our love affair with paper has by no means diminished. Inspired by the drawing cabinets of gentlemen and connoisseurs, Galerie Hubert Winter will create a space where visitors have to get closer to the artworks – all of them related to or made out of paper.
Artists:
William Anastasi, Mary Ellen Carroll, Judith Fegerl, Michael Höpfner, Birgit Jürgenssen, Louise Lawler, Tina Lechner, Sol Lewitt, Paul Etienne Lincoln, Richard Nonas, David Robbins, Keith Sonnier, Lawrence Weiner, Hannah Wilke, Lei Xue, a.o.
There are so many varieties of Germanic culture here in Bregenz that are not mixable, and I see that as a kind of geyser, like anything that builds up enough pressure, you have to lance it or pop it, that’s a geyser, that’s a pimple, a pimple popper. You know, that’s what it is. That’s what philosophy is. Philosophy is a popped pimple. All of these simultaneous cultures are teutonic (of a sort) and if you read tectonic as teutonic plates, one can understand the allusion to the geyser.
Lawrence Weiner, Bregenz, September 2016
Galerie Hubert Winter, Vienna is pleased to be invited by Alison M. Gingeras to take part in her curated section Sex Work at Frieze London 2017 with a selection of works from the 1970s by the Austrian artist Birgit Jürgenssen (1949 - 2003, Vienna/Austria).
Birgit Jürgenssen was an extremely gifted and virtuous draftswoman. She deconstructed female stereotypes frequently integrating allusions to surrealist themes into her masterful drawings. The female body and its metamorphosis constitute a central aspect of her work and lead to questions within the socio-critical discourse. Based on the emancipatory potential of Surrealism and on the context of feminism of the 1970s, her practice synthesises a wide range of impulses and generates a multi-layered and manifold body of work from the late 1960s on. The staging of the female body in the light of transformation (recurrent themes are: masquerades, fragmentations, fetish and fusions with animal beings) runs as leitmotif through the artist’s oeuvre. Her work has been lately described as “brilliantly disturbing” by The Guardian, exactly how the art of Birgit Jürgenssen presents itself.
http://www.viennacontemporary.at
Reflektierende Materialien. Grafitpigment und Aluminiumstaub, Kupferdrähte, Stahl, filigrane Grafitminen.Eine subtile Materialästhetik spielt sowohl im Werk von Helga Philipp (1939 - 2002) als auch bei Judith Fegerl (1977) eine bedeutende Rolle. Zwei österreichische Künstlerinnen unterschiedlicher Generation, ungleicher Antizipation.
Helga Philipps Malerei der späten achtziger und neunziger Jahre, diese monochrome Werkgruppe mit einfach geometrischen Kompositionen, die Reduktion von Form und Farbe beschäftigten die Künstlerin ab 1985. Es entstehen u.a. großformatige Leinwandarbeiten mit starken hell-dunkel Kontrasten, die trotz der Vereinfachung von Form eine Illusion von Räumlichkeit erzeugen. Der bereits von ihren kinetischen Objekten bekannte optische Eindruck gelingt Philipp auch in ihren Leinwandarbeiten. Der pastose Farbauftrag, Licht reflektierende Materialien wie Grafit und Aluminiumpigment erzeugen eine auffallende Qualität und Intensität. Papierarbeiten, Grafitzeichnungen oder Schichtgrafiken auf Transparentpapier reizen Material und Oberflächenstrukturen aus. Mehrschichtig und mehrteilig lotet die Pionierin der Konkreten Kunst und der Op-Art in Österreich nach 1945 optische Phänomene und deren Reize aus.
moment (2016) nennt Judith Fegerl ihre neueste Werkgruppe, setzt polierte Stahlstäbe und Elektromagnete unter Strom und verbindet einzelne Elemente zu einem Ganzen zusammen. Frei stehend oder an die Wand gelehnt. Es geht um ein Gleichgewicht zwischen Stillstand und Bewegung, Aktivität und Passivität – moment wirkt meditativ, zentriert und paradoxerweise wird diese kontemplative Ruhe nur durch einen kontinuierlichen Energiefluss aufrecht erhalten.Fegerls Arbeit ist eine Art Vexierbild, die nur mit dem Wissen um ihre Fragmentierung in ihrer Entität erfasst werden kann. Material und Technik verbindet sich in Fegerls Werk zu ästhetisch und technisch beispiellosen Arbeiten.
Helga Philipp geboren 1939, Wien; gestorben 2002, Wien.
Judith Fegerl geboren 1977 in Wien; lebt und arbeitet in Wien.
Mary Ellen Carroll
A FAKE HARE HAS 24 GOLD TEETH
NEXT TIME WITH JACKY*
curated by Bose Krishnamachari
A FAKE HARE HAS 24 GOLD TEETH
In the second stanza of Chapter IX in Jack Spicer's poem from 1961, A Fake Novel about the Life of Arthur Rimbaud, the poet wrote:
Things have passage. Most rivers eventually reach the ocean. Or a lake—an inland sea. This is like Africa in all continents.
Spicer’s language could be misread as a poetic description of a landscape painting, posing as a poem. Had he substituted another continent (in reference to trade) for Africa (in reference to migration)—or more specifically a country, it would be, “This is like China in all continents.” China is in fact, in all continents.
Spicer’s process to take Rimbaud’s actual life as the starting point is similar to how, A FAKE HARE HAS 24 GOLD TEETH utilizes the textile, Brocade with Hares, China, Northern, Mongol Period, 13th to mid 14th century, from the permanent collection at the Cleveland Museum of Art in Cleveland, Ohio as a catalyst for the conceptual underpinnings of the work realized for Yinchuan. The fragment was included in the exhibition “When Silk Was Gold: Central Asian and Chinese Textiles” at the Metropolitan Museum in New York in the spring of 1998. It places the work in the region of Yinchuan along the Yellow River, where it may in fact have actually been woven. It is fact that the general weaving technique used in this textile is characteristic of this region in China. There is also an additional warp in the weaving and this pairing of the warp evidences a technique that was introduced from the west—coming from eastern Iran. At some point, an individual made passage on the Silk Trade Route along the Yellow River and this approach was introduced to the area.
The dislocation of the hare to Yinchuan intentionally relocates an image to where it may have been originally constructed. This hare is rendered in glyphs or binary code and references the further development in weaving and the Jaquard loom that eventually became the foundation for computer programming and it functions as its aid memoire—to use a diplomatic term. This application of encryption is also a referent to Carroll’s earlier work, act of god, 1999 wherein she encrypted site photographs of Mie van der Rohe’s Glass House with the text about the building’s design. It also constructs or conflates a historical moment in the present as the future as the actual, which may not necessarily be factual. The mimeograph of the real is woven with the fake, resulting in a collision of fantasy and fact.
A FAKE HARE HAS 24 GOLD TEETH expands the pageantry of the biennial into the spectacle of diplomacy, perhaps where it rightfully belongs. This moment begins historically at the invitation that President Chiang Kai-shek extended to President John F. Kennedy and his wife, Jackie to visit China in the early 60s. After hearing about JFK’s plans for an official state visit to Europe it was then proposed to continue the passage to the east in order to solidify diplomatic relations and to discuss trade and foreign policy. The world knows why this meeting never took place. On June 26, 1963—Berlin was the furthest east in Germany that Kennedy would travel. He first appeared in the British Sector in front of the Brandenburg Gate on a provisional platform. It was architected as a modified Bauhaus structure providing a 360-degree view to “look far away” to the east in order to “see and be seen.” The DDR reciprocated and simultaneously staged their own spectacle in parity to “see and be seen” and blocked the view to the east by covering the openings of the Brandenburg Gate. It was impossible to “look far away.” A FAKE HARE HAS 24 GOLD TEETH reimagines a to-scale version of those occupied spaces on the facade of the Museum of Contemporary Art Yinchuan with the hare as the central image. (As an aside, it is worth noting that it was nearly ten years later that Kissinger seeded the ground for Nixon’s state visit to China from February 21 to 28, 1972 and the historical meeting with Mao Tse-tung. It was the first time in over two decades that images of China would be visible in the U.S.)
What was made, and what became highly visible during JFK’s historic state visit was a truck that corralled the space in front of the entrance to the Brandenburg Gate as viewed from the west that had a placard painted in bright yellow with an English text painted in red affixed to one side that was an enjoiner for the west to fulfill their treaties with the east. The truck encircled the space and then parked directly in front of where JFK stood to face the east. Both the east and the west constructed their image that would be disseminated throughout the world by the media on both sides of the wall. Immense crowds lined the streets and hung from buildings to experience the motorcade. The desire to “see and be seen” was indistinguishable from either side. That desire is no different than it is in the present.
NEXT TIME WITH JACKY* is the adjacent work to A FAKE HARE HAS 24 GOLD TEETH and will organize the drivers of the ubiquitous three wheeled motorcycle that hauls and transports goods and services within Yinchuan. The motor transport functions as the last mile in the network of trade routes within the city. The drivers will create an informal performance that will disseminate the work of art throughout the city of Yinchuan, as well as it being the work of art, in and of itself. A sign that reads, Look far Away, will be affixed to the vehicle in a similar technique as the structure that was constructed for the vehicle that encircled the Brandenburg Gate. It is a portable signifier of the biennial and the museum as the site that is dislocated from the city center. The architecting of diplomacy as an extension of culture and the historical symbols are exemplified in A FAKE HARE HAS 24 GOLD TEETH and NEXT TIME WITH JACKY, albeit within the realm of the poetic as a good, as a fake, all of which are reenactments that are performances in a medium that is intertwined within the media.
(Next Time with Jacky* is a sign that a group held up when JFK’s motorcade went by their apartment bloc. Jacky is the the first lady of the United States, Jacqueline Bouvier Kennedy. The sign makers misspelled her name as Jacky, when it is Jackie.)
Women House is the meeting of two notions: a gender - the female - and a space - the domestic one.
https://www.monnaiedeparis.fr/en/temporary-exhibitions/women-house
Galerie Hubert Winter is pleased to present a selection of works by the three Austrian artists Tina Lechner, Birgit Jürgenssen and Judith Fegerl at Artissima 2016. As diverse as their approaches initially may seem, all three artistic positions overlap at a certain point: They all work at the intersection of technical precision and competence but also in regards to the creation of narrative and visual elements. Each of them has achieved the ability to go beyond the conventional borders of media while using the precision of technical craftsmanship and expression.
Tina Lechner (born 1981 in St. Pölten, lives and works in Vienna) has been investigating these technical possibilities in analogue photography. While the photos capture a strong surface - gauging the whole range of possibility of black and white photography - the human body is coated in self-produced requisites and therefore radically reduced to a geometrical configuration. In her works humankind has lost control over its own creations, blurring the line between living and inanimate, exploring our current state with a retro-futuristic verve. It is the timeless amalgamation of styles, techniques and cultural references that makes her work so original, so striking.
Birgit Jürgenssen (1949 – 2003, Vienna) is well known for her diverse body of works, ranging from photography, drawing, video to sculpture. For Artissima 2016, we present an impressive series of Rayograms she produced in the mid 70s. Without the use of a camera the images are created in the darkroom. The images do not have any negative or positive and can be produced just once.
Birgit Jürgenssen used this effect and enhanced it sometimes with overlays while reducing figures to silhouettes, adding an enigmatic element and ephemeral details - reminiscent of surreal components and dadaist collages at times. Birgit Jürgenssen’s adaption of this camera-less method is just one aspect of her wide-ranging working in different photographical techniques and proves once more her multi-layered and extraordinary multifaceted ability experimental efforts.
Judith Fegerl (born 1977 in Vienna, lives and works in Vienna) works at the intersection of art and architecture, nature and technology, the organic and the mechanic. Fegerl creates complex networks and circuits in her works - circulations of information, energy, materiality, feeding into each other, enhancing and short-circuiting each other.
The works selected for Artissima address an alternate understanding of electric currents; while her series of sculptural paper works Easy Axis (2016) hypothetically creates a continuous flow of energy due to the used material - waxed paper, graphite and copper wire - Fegerl stretches the technical capacities of these to deliver an unique interaction between material and form. With her works, Judith Fegerl articulates a moment before a sensuous experience, an almost vibrating sense of anticipation and an understanding of time as we await the impending crash of metal.
Fenster sind Öffnungen, die von innen den Blick auf das Außen einrahmen, während wir uns von draußen in ihnen spiegeln. Dieser Sicht auf das Innere, das Äußere und deren Wechselwirkungen geht die Ausstellung nach. Spiegelnde Fenster zeigt rund sechzig zeitgenössische Werke und einzelne historische Exponate aus der Sammlung des Belvedere,
die allesamt um Erfahrungen von Selbst und Welt kreisen. Die Arbeiten handeln von Utopien und Krisen, dem Grauen des Alltäglichen, Phänomenen des Spirituellen, der Politisierung des Körpers ebenso wie von Soziophysik und Psychonautik, von surrealen Welten und individuellen Mythologien. Im Sinne der Bedeutung von Kunst als Fenster zur Welt wirft die Ausstellung einen Blick auf das Spannungsfeld zwischen Individuum und Gesellschaft und reflektiert zugleich Auswirkungen auf Körper und Geist.
#reflections21
Mit Arbeiten von Marc Adrian, Martin Arnold, Vittorio Brodmann, Georg Chaimowicz, Adriana Czernin, Josef Dabernig, Gunter Damisch, VALIE EXPORT, Judith Fegerl, Michael Franz / Nadim Vardag, Padhi Frieberger, Bernhard Frue, Walter Gamerith, Bruno Gironcoli, Samara Golden, Judith Hopf, Alfred Hrdlicka, Iman Issa, Martha Jungwirth, Jesper Just, Tillman Kaiser, Johanna Kandl, Joseph Kosuth, Susanne Kriemann, Friedl Kubelka/Peter Weibel, Luiza Margan, Till Megerle, Henri Michaux, Muntean Rosenblum, Walter Pichler, Tobias Pils, Arnulf Rainer, Ugo Rondinone, Isa Rosenberger, Gerhard Rühm, Markus Schinwald, Toni Schmale, Anne Schneider, Richard Teschner, Simon Wachsmuth, Rudolf Wacker, Anna Witt
Emerging from the works by Meret Oppenheim and her fellow artist are the themes that the artistic imaginary of the time especially focused on: dream-like fantasies and erotic aberrations; the woman as an enchanted creature or a sorceress; fetishism and the relationship with nature. In the post-war years Meret’s work was enriched by her research into abstract art, strongly influencing the following generations of artists; parallels can be drawn with the work of Daniel Spoerri and Birgit Jürgenssen, among others, as well as with contemporary artists like Robert Gober and Mona Hatoum.
Willing, Wanting, Waiting!
“Fly me to the moon”, an ongoing series of exhibitions in 2017 by Sarah Pichlkostner (*1988, Schwarzau/Pongau, lives and works in Vienna and London), are the frame for her new setting at the viennacontemporary.
Her protagonists, the two characters KUY and KAY, created and developed by the artist with self-optimizing apps – are in conversation.
Ohh, stay calm
kuy: how long it will take? – two lines of these random played, interlaced monologues serve as a headline.
KUY and KAY, independent and bound with one another, got stuck on their way to the moon, their transition is interrupted and the outcome/schedule defined by determinism.
The provided setting leaves it unclear, if this waiting room is prepared for the viewer, for the objects, the characters or if it stands for a fictional thought!
Their recitation of optimistic monologues about memories and the inherent boredom of waiting, installed in a human size glass sheet, resonates over the entry ensemble of minimalistic sculptures made out of aluminium, glass and silver nitrate. To lower the stress-level a natural recourse is used as another optimizer, linking to the profound connection between human and water, reflecting on evolutionary history. Each sculpture balanced and grounded, is ready to take off, immobile awaiting to reach its goal. An expectation that comes with ennui and frustration, being beyond an existential question of the human consciousness.
Sarah Pichlkostner bases her works on everyday life and the fiction embedded in the agreement with existing desires, projections and existence. All under the viewpoint of optimization, she uses contemporary technology that infiltrates our life. When Sarah Pichlkostner confronts herself for a new artwork with personal situations, to make different subjects and the complexity of them describable. Not mimed but realized.
kuratiert von Vivien Sakura Brandl und Andreas Spieg
Blueprint for a museum of contemporary art for the capital of Europe
curated by Dirk Snauwaert
...
The title, The Absent Museum, is a nod to the decisive influence that symbolist, ‘mystical-mysterious’ thinking has had and continues to have on Belgian modernity. WIELS does not have the status of a museum, but is commonly referred to as ‘the WIELS museum’. This is a token not only of recognition, but also of the expectations that the Belgian audience and public opinion have towards WIELS as an institution. WIELS therefore has decided to use this temporary exhibition to set out a substantive framework or blueprint for a possible museum of contemporary art in the capital of Europe.
With:
Francis Alÿs, Archives de l'Ambassade Universelle, Younes Baba-Ali, Jo Baer, Monika Baer, Sammy Baloji, Guillaume Bijl, Dirk Braeckman, Marcel Broodthaers, stanley brouwn, Daniel Dewar & Gregory Gicquel, Marlene Dumas, Jimmie Durham, Jana Euler, Olivier Foulon, Michel François, Ellen Gallagher, Mekhitar Garabedian, Isa Genzken, Jef Geys, Jos de Gruyter & Harald Thys, Thomas Hirschhorn, Carsten Höller, Cameron Jamie, Ann Veronica Janssens, Martin Kippenberger, Goshka Macuga, Mark Manders, Lucy McKenzie, Wesley Meuris, Nastio Mosquito, Jean-Luc Moulène, Le Mur, Oscar Murillo, Otobong Nkanga, Felix Nussbaum, Willem Oorebeek, Marina Pinsky, Lili Reynaud-Dewar, Gerhard Richter, Walter Swennen, Wolfgang Tillmans, Rosemarie Trockel, Luc Tuymans, Peter Wächtler, Christopher Williams, Nil Yalter.
Reconstitution is curated by Catherine Taft and Hamza Walker.
Reconstitution is a group exhibition that is an update and recasting of the 1987 exhibition Constitution originally organized by the art collective Group Material. The exhibition will include work by: Kathryn Andrews, Shagha Ariannia, Gretchen Bender, Dawoud Bey, Mary Ellen Carroll, Ching Ho Cheng, Tseng Kwong Chi, Sonya Clark, Joeff Davis, Sid M. Duenas, Melvin Edwards, Ridykeulous (Nicole Eisenman & A.L. Steiner), Rafa Esparza, Lauren Davis Fisher, Arshia Haq, Rachel Harrison, Sharon Hayes, Edgar Heap of Birds, Brendan Fowler/Election Reform, Gronk, Anish Kapoor, Gelare Khoshgozaran, Kang Seung Lee, Zoe Leonard, Steve Locke, M (aka Michael Chow), Van McElwee, Harold Mendez, Mike Mills, Jenny Perlin, Jefferson Pinder, Christina Quarles, Umar Rashid, Marie “Big Mama” Roseman, Peter Saul, Augustus Sherman, Maryam Taghavi, Mark Themann, Danh Vo, Christine Wang, Timothy E. Washington, Lawrence Weiner, and the AIDS Memorial Quilt.
1987 marked the 200th Anniversary of the U.S. Constitution, and on the occasion, Group Material mounted Constitution at Temple University gallery in Philadelphia. Featuring over 40 artists whose work ran the gamut from folk to conceptual art, the exhibition was nothing if not democratic. In juxtaposing the U.S. Constitution against works of contemporary art, Group Material laid claim to the Constitution not simply as it frames our government, but as a living document, one that harbors ideals against which we monitor our progress as a society.
As was the case for Group Material in 1987, recourse to the U.S. Constitution comes at a time when the electorate is deeply divided about the role of government and its priorities. But recourse to the U.S. Constitution, just as it serves to unite, also begs the question how and to what extent are the ideals of liberty, equality, and justice for all being met? Reconstitution, over and above responding to a short albeit violent swing of the socio-political pendulum, (from Obama to Trump) is responding to an electorate whose divisiveness has significantly deepened over the past 30 years.
Are we living up to our ideals of liberty, equality, and justice for all? This question cannot fail to solicit a critical posture, one that is part and parcel of art itself. Now more than ever, the so-called identity politics of the 1980s and 1990s (with art work forthrightly addressing issues of race, gender, class, nationality and religion) have become inseparable from national identity. Debates about police brutality, immigration, inequality, religious freedom, healthcare, the environment reflect who we aspire to be as a nation. Reconstitution is one mirror. Reconstitution is curated by Catherine Taft and Hamza Walker.
Judith Fegerl fordert das Vorgegebene heraus. Ihre Skulpturen schalten sich ein in die Texturen und Strukturen des Materials, aus dem sie gemacht sind, und in die Räume, in denen sie gezeigt werden. Die Künstlerin sucht nicht nach einfachen Lösungen, sondern schmiedet Komplikationen.
Mit feinem Gespür für die unter schwelligen Spannungen in vermeintlichen Einheiten – wie in Metallstangen, dem Ausstellungsraum oder dem institutionellen Körper – lässt sie diese die Leitung übernehmen. Die dabei verursachten Brüche und Risse geben Anlass zu neuen Konfigurationen: glänzenden Prothesen und räumlichen Zeichnungen – verletzlich, elegant und brutal zugleich.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
ARCHITECTURAL MEMORY PIERCED BY ART
A line. One extended thing in the fog.
A physical mass moving, a spatial intrusion pointing, an almost pure presence lurking, connecting and anchoring. —A line; hard, heavy and slow. An apparition, and, somehow, an extremely complex intrusion into art-history.
For the strange chapel of Santa Maria della Spina has already marked and held me, as it has marked and held others in the past; held us by its actual evasiveness, marked us with its uncanny beauty, its aggressive disconnection to any available context. —Marked me, I mean, as a sculptor in the same way that only the abandoned hamlet of Viere in the French Alps has; held me by both its historical complexity and its absence of emotional solidity —marked and moved me, that is to say, by its own invasive unreality, its insistent non-corporal presence, and by my own desperate need to come to terms with that.
A fog not just of climate but of spatial strangeness; a fog of temporal dissociation, of five hundred years of slow, blurred settling into a kind of ghostly abstraction of exquisite separation, a self-sustaining, ahistorical apparition of pure presence itself.
It is that presence I mean to mark; that singular presence on the Arno's edge —the unconnected wholeness of it, as full and as empty as the river below it.
But I mean to mark it; not add to it or change it. I mean to cut another shadowy wholeness into that ambiguous and foggy wholeness; I mean to lay one shadow onto another, to cut one apparition into another.
Richard Nonas (2017)
Images:
Richard Nonas, Installation view of “…as light through fog…” ARCHITECTURAL MEMORY PIERCED BY ART, Chiesa di Santa Maria della Spina, Pisa, 2017.
© Richard Nonas
Galerie Hubert Winter lädt zu einem Abend mit Michael Bracewell, der nicht nur durch seine Romane und Kunstkritiken bekannt ist, sondern viel beachtete Sachbücher zum Thema Popkultur schrieb. Als Ausgangspunkte dienen „England is Mine: Pop Life in Albion from Wilde to Goldie“ (1997), „Roxy Music: Bryan Ferry, Brian Eno, Art, Ideas and Fashion“ (2005) oder „Roxy: The Band That Invented an Era“ (2008).
Michael Bracewell ist ein in London lebender Autor, der bereits mehrere Romane und Sachbücher publiziert hat und überwiegend über zeitgenössische Kunst und Kultur schreibt. Bracewell kuratierte ‘The Secret Public: The Last Days of The British Underground 1977 – 1988’ (Kunstverein München/ ICA, London 2007), ‘The Dark Monarch: Magic and Modernity in British Art’ (Tate St Ives, 2009) sowie im letzten Jahr '….hounded by external events…' (Maureen Paley, London, 2016). Seine ausgewählten Schriften über Bildende Kunst erschienen 2012 unter dem Titel 'The Space Between'.
Eine Veranstaltung im Rahmen von: curated by_vienna 2017: „image/reads/text“.
An event in the context of: curated by_vienna 2017: „image/reads/text“.
und
Marcia Hafif
15. September - 12. November, 2017
Kunsthaus Baselland
www.kunsthausbaselland.ch
The Shape of Time zeigt bedeutende Werke aus der Zeit zwischen 1800 und heute, darunter Leihgaben aus einigen der wichtigsten Museen und Privatsammlungen der Welt.
In den Sälen der Gemäldegalerie treten sie mit unseren Kunstwerken und Künstlern in einen Dialog und fungieren so als Trittsteine auf dem kunstgeschichtlichen Weg von dort, wo unsere Sammlung endet bis zu jenem Punkt, an dem wir heute stehen. AusstellungsbesucherInnen sind eingeladen, zugleich zurück und nach vorne zu blicken und ihren Blick hin und her schweifen zu lassen zwischen zwei Objekten, die aus unterschiedlichen Jahrhunderten stammen und das Potential haben, unsere Erfahrung des jeweils anderen zu verändern. (...)
Dies sind die in der Ausstellung gezeigten KünstlerInnen und Gegenüberstellungen:
Tizian – J.M.W. Turner
Tizian – Pablo Picasso
Tintoretto – Kerry James Marshall
Correggio – Birgit Jürgenssen
Giorgione – Nusra Latif Qureshi
Sofonisba Anguissola – Claude Cahun
Tullio Lombardo – Felix Gonzalez-Torres
Velázquez – Edouard Manet
Caravaggio – Franz West
Bronzino – Lucian Freud
Römische Antike – Paul Cézanne
Römische Antike – Eleanor Antin
Rembrandt – Fiona Tan
Jan Brueghel d.Ä. – Steve McQueen
Peter Paul Rubens – Maria Lassnig
Rogier van der Weyden – Ron Mueck
Rembrandt – Mark Rothko
Dirck Dircksz van Santvoort – Catherine Opie
Pieter Bruegel d.Ä. – Peter Doig
Helena Almeida, Nazgol Ansarinia, Monica Bonvicini, Louise Bourgeois, Heidi Bucher, Claude Cahun, Pia Camil, Judy Chicago, Johanna Demetrakas, Lili Dujourie, Valie Export, Lucy Gunning, Mona Hatoum, BIRGIT JÜRGENSSEN, Kirsten Justesen, Karin Mack, Isa Melsheimer, Zanele Muholi, Lucy Orta, Leticia Parente, Sheila Pepe, Martha Rosler, Elsa Sahal, Niki de Saint Phalle, Miriam Schapiro, Anne-Marie Schneider, Lydia Schouten, Cindy Sherman, Laurie Simmons, Penny Slinger, Laure Tixier, Ana Vieira, Rachel Whiteread, Sue Williamson, FRANCESCA WOODMAN, NIL YALTER
Lenbachhaus, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München
Seit den 1970er Jahren widmete sich Marcia Hafif (1929–2018) der reinen Wirkkraft von Farbe. Ihre Gemälde verzichten auf Bildgegenstand und Komposition und repräsentieren ausschließlich sich selbst. Hafif fand in dieser Reduktion die Möglichkeit, Grundkomponenten der Malerei wie Material, Pinselführung, Oberfläche und Format analytisch zu befragen. Am Lenbachhaus befinden sich in der Sammlung KiCo mehr als 20 Malereien und Zeichnungen von Hafif aus sämtlichen Phasen ihres Schaffens. Seit 2003 wurden sie mehrfach in Sammlungspräsentationen ausgestellt.
Marcia Hafif: Films (1970–1999) wendet sich einem weniger bekannten Aspekt ihres Œuvres zu: Film und Sprache. Nach einem mehrjährigen Aufenthalt in Rom, wo Hafif in den 1960er Jahren als Malerin lebte, fand sie in ihrer Heimat Kalifornien Anschluss an die experimentelle Kunstszene von Los Angeles. Im Umfeld von Künstlerinnen und Künstlern wie Robert Irwin, Nancy Buchanan, Chris Burden und Barbara T. Smith beschäftigte sie sich mit neuen Formaten und Medien: Sie entwickelte Klang-Installationen, setzte ihre bereits in Rom begonnene Auseinandersetzung mit Fotografie fort und drehte kurze Filmsequenzen. Inspiriert von Regisseuren wie Michelangelo Antonioni und Jean-Luc Godard intensivierte Hafif in dieser Zeit ihr filmisches Schaffen und produzierte ihre längsten Filme: Notes on Bob and Nancy (1970–1977) und India Time (1978).
Das Schreiben begleitete Hafifs gesamte Künstlerlaufbahn. Im Medium Film bot sich ihr die Möglichkeit, ihre Text- und Bildproduktion auf innovative Art und Weise zu verknüpfen: Viele ihrer Filme sind mit selbstverfassten Texten unterlegt, die als Begleitkommentar aus dem Off verlesen werden. Die Filme werden zu audiovisuellen Essays, in denen Hafif Themen wie Eskapismus und weibliche Selbstbestimmung verhandelt – Themen, die bis heute ihre Gültigkeit behalten.
Mit Marcia Hafif: Films (1970–1999) zeigt das Lenbachhaus als erstes Museum in Deutschland eine umfangreiche Auswahl von Filmen der Künstlerin, die über Jahre hinweg in Kalifornien, Indien und New York entstanden. Ihre Rezeption als Malerin der Monochromie – eine einengende Kategorie, der Hafif mehrfach widersprach – wird damit um wichtige Aspekte erweitert. Das Nebeneinander von filmischer Narration und malerischem Minimalismus in ihrem Werk erweist sich nicht als Widerspruch, sondern als Ausdruck einer künstlerischen Offenheit, die charakteristisch ist für die von Medienreflexivität geprägte Kunst in den USA der 1970er Jahre.
Mit großem Enthusiasmus begleitete Hafif von ihrer Heimat Kalifornien aus die Vorbereitungen für diese Präsentation kaum bekannter Arbeiten aus ihrem Gesamtwerk. Wie ihr langjähriger Galerist Fergus McCaffrey nun mitteilte, verstarb Hafif überraschend im April in Laguna Beach (Kalifornien).
Kuratiert von Sebastian Schneider
Booth 14
www.codeartfair.dk
Judith Fegerl im Gespräch mit Nina Tabassomi
„Im Bürotrakt des Taxispalais kennzeichnet der in schwarzen Buchstaben direkt auf die (rund herum) schon mehrmals weiß gestrichene Wand aufgebrachte Schriftzug ‚Leitung‘ das Büro der Direktorin. Bei meinem ersten Treffen mit Nina Tabassomi, die ihre Funktion im Taxispalais gerade angetreten hatte, habe ich ein Foto von eben diesem Schriftzug gemacht, dessen Bedeutung(en) sich nicht nur in den Titel der Ausstellung, sondern auch in die Substanz des Museums einschrieb(en).“ Judith Fegerl
„Judith Fegerls Arbeiten verhalten sich zum Ausstellungsraum wie Transformatoren. Ihre Skulpturen, architektonischen Operationen und Raumzeichnungen schalten sich in die Substanz des Ausstellungsraums hinein. Sie gestalten diesen Raum, anstatt ihn als Habitat und Plattform für die eigenen Arbeiten zu begreifen. Zum Teil sind sie ortsspezifisch entstanden, zum Teil (in ihrer Konzeption) bereits vorhanden, in beiden Fällen aber sind sie ortsagitativ und -integrativ. Körper, die jenseits unserer Materialvorstellungen und Denkmatrix liegen, nehmen provokant, schön und brutal Form an.“ Nina Tabassomi
Der Katalog folgt der Einzelausstellung Judith Fegerl in charge im Taxispalais Kunsthalle Tirol. Er bezeugt und diskutiert sowohl nachhaltige als auch flüchtige Eingriffe in die Struktur der Kunsthalle.
Judith Fegerl in charge, 1. Juli — 27. August 2017, kuratiert von Nina Tabassomi, Direktorin, Taxispalais Kunsthalle Tirol
Parallel Masters
Lassallestrasse 1
1020 Wien
Marx Halle
Karl-Farkas-Gasse 19
1030 Wien
Austria
Judith Fegerl´s Intervention im neuen Gebäude der Landesgalerie Krems setzt sich mit der Drehung des architektonischen Kubus von der Donau hin zur Altstadt von Stein auseinander.
"...die politischen Ereignisse waren so stark, es war einfach nicht mehr möglich im Atelier zu sitzen und nicht daran teilzunehmen..." Nil Yalter
Kuratiert von Kasia Redzisz
Seit den 1970er Jahren arbeitet sie als Pionierin einer gesellschaftlich engagierten und technisch avancierten Kunst: Nil Yalter,
geboren 1938 in Kairo, aufgewachsen in Istanbul und seit 1965 wohnhaft in Paris. In malerischen Collagen, in Montagen und Videos integriert die türkische Künstlerin Fotos, Zeichnungen und Berichte von Arbeiter*innen und Migrant*innen. Aufgrund ihrer Auseinandersetzung mit den Themen Feminismus, Migration und Repression wurde die 80-jährige in den letzten fünf Jahren von internationalen Museen und Sammlungen neu entdeckt. 2019 richtet das Museum Ludwig der türkischen Künstlerin nun ihre erste große Überblicksausstellung aus.
Einzelausstellung, FUTUR2, Wien
Vernissage: 17. April 2019, 18:00 - 21:00
Open: 18. Mai - 6. Juli 2019 (nur mit Voranmeldung)
Exile Is a Hard Job will be the first solo U.S. museum exhibition of work by Nil Yalter (b. 1938, Cairo), who has been a pioneer of socially engaged art since the 1970s.
Born in Cairo, the artist grew up in Istanbul and has been living in Paris since 1965. Exile Is a Hard Job presents the diversity of her work, from previously little-known paintings to her groundbreaking early videos and multimedia installations in which she combines photography, video, drawings, and sculpture into collages. Exile Is a Hard Job originates at the Museum Ludwig in Cologne as Yalter’s first major retrospective, opening March 8, 2019. At the Hessel Museum of Art, the exhibition will focus on her prolific period from the late ’60s to the early ’80s, and will include over twenty of her most significant projects from this time.
viennacontemporary
Marx Halle Wien
Karl-Frakas-Gasse 19
1030 Wien
Die für den FOTOHOF erarbeitete Serie von s/w Fotografien und Aufzeichnungen behandeln fünf Wanderungen: Von Budongquao nach Qumahe, von Karpenisi nach Mouzàki, von Jokang nach Phabonka, von Gramsh nach Sheper und von Sanwei nach Subei.
Gruppenausstellung TI BERGAMO—Una comunità mit Arbeiten von Michael Höpfner.
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Simone Fattal
Earth Day
32 Seiten mit 14 handgeklebten Farbabbildungen
12,0 × 18,7 cm
Softcover
Erscheint als Band V in der Reihe Carpe Diem, anlässlich der Ausstellung Simone Fattal, bei Galerie Hubert Winter in einer Auflage von 200 Exemplaren.
EUR 18.00 exkl. Versandkosten
Bestellung via office@galeriewinter.at
Galerie Hubert Winter is pleased to present a selection of paintings by Nancy Haynes, each occupied by a chromatic progression—a broadband in which one color morphs into another, a light shade growing dense and dark. To the poets is a homage to Haynes’ favorite authors and poets, resourced of her inspiration and gratitude. Her paintings are stimulated by literature with horizontal gestures hinting at a reading from left to right. To the poets makes the idea of text and subtext quite literal.
The attribution of language and convergence of an invisible mechanism is inherent part of James Lewis’ works.
Material subjected to entropic, hence temporal processes build layers of surfaces, accumulated one over another and establishes fragile relations between emotional, sensorial and statistical data. Accumulations of layers, networks of tumorous growth, encapsulate and fossilize over soft furnishings. These encrusted strata form domestic scenographies, which are polluted with sound and odour.
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Wir freuen uns das 50-jährige Jubiläum der Galerie bekanntzugeben.
Anlässlich dieses Jubiläums wurde eine Skulptur von Lawrence Weiner öffentlich an unserer Fensterfront installiert.
MAK im DIALOG: ALFREDO JAAR
Do, 10.06.2021 18:30 Uhr
MAK – Museum für angewandte Kunst
Kuratorin Bärbel Vischer im Gespräch mit dem Künstler Alfredo Jaar. Folgen Sie diesem Link zum Zoom-Talk.
Wednesday 30 June MACRO presents the movie première of TRACCE / TRACES. The film originates from the exhibition by artist Lawrence Weiner which took place last summer through a series of aerial banners flying along the roman coast. The exhibition was produced by MACRO as part of the SUPPLEMENT section of Museum for Preventive Imagination.
In the film, produced in collaboration with RingFilm, the interpretations and reactions of the public join the artist’s voice and the documentation of the exhibition, articulated through the day to day apparitions of this unique and ephemeral experience.
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Artists’ Library: 1989–2021 is a three-dimensional bibliography, an exhibition project of the BIBLIOGRAPHIC OFFICE section, where the audience can come across and delve into the ways of thinking, writing, collecting and creating of a series of artists: Noah Barker, Éric Baudelaire, Pauline Curnier Jardin, Claudia de la Torre, Maria Eichhorn, Simone Fattal, Aaron Flint Jamison, David Horvitz, Tobias Kaspar, Giulio Paolini, Walid Raad, Georgia Sagri, Luca Trevisani. Each one has been asked to select three books by other authors in any literary genre, published since 1989, which are particularly important to their own artistic paths. A book by each of the invited artists will also be added to the selection.
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Curated by Alberto Salvadori with Andrea Viliani, Stella Bottai, Laura Mariano
Fondazione ICA Milano in collaboration with Pompeii Commitment. Archaeological Matters presents the exhibition A breeze over the Mediterranean, first solo show in Italy dedicated to Simone Fattal (Damascus, 1942). One of the most important contemporary artists, Simone Fattal was born in Syria and grew up in Lebanon. She left the country in 1980 with the outbreak of the civil war and she settled first in the United States and later in France, where she currently lives and works. Fattal has developed and established her artistic research and practice particularly over the last decades, including different expressive media such as drawing, painting and, since 1988 (when she attended the Art Institute of San Francisco), ceramics. In her works, the artist draws forms out of natural and living matter such as clay – forms that evoke the union between the carnal and mystical dimensions, reality and imagination. Fattal shapes figures that return the deepest intimacy of our feelings and thoughts connecting them to both historical and cultural dimensions to express the value and, at the same time, the care and fragility of human life.
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For her first solo presentation in the UK, internationally acclaimed artist, Simone Fattal leads us on a journey of transformation. Imagining the large, brick-lined gallery to be a giant kiln, Fattal fills the space with a procession of her characteristic ceramic figures who are embarking on a spiritual and physical metamorphosis. Elements of an ancient landscape appear throughout the space; a delicate ceramic ladder, a series of carved architectural stele and a Mesopotamian ziggurat temple – connecting earth to heaven – inspire ideas around ascension and emancipation. A series of black and white etchings, drawn from Fattal’s memories of Damascus, as a garden paradise, appear as maps or windows for the voyagers.
Fattal’s work – watercolours and collages as well as sculptures made from clay and bronze – exists between figuration and abstraction. She draws on sources ranging from war and conflict, to landscape painting, ancient religions and mythologies, Sufi poetry and the fragility of the human form. She explores the impact of displacement and migration as well as the politics of archaeology and excavation. Using frequently recurring motifs and forms, and just enough detail to make her characters discernable, her works construct worlds that feel as though they have emerged – temporarily – from history and memory.
Supported by:
The Whitechapel Gallery Commissioning Council
Dorota Audemars
Erin Bell
Heloisa Genish
Leili Huth
Irene Panagopoulos
Mariela Pissioti
Alex Sainsbury
The Simone Fattal Exhibition Circle
Balice Hertling, Paris
Nicoletta Fiorucci Russo
Sarah and Gerard Griffin
Galerie Hubert Winter, Vienna
Karma International, Zürich
kaufmann repetto, Milan, New York
Galerie Lelong & Co
Galerie Tanit Munich-Beirut
Alfredo Jaar ist Preisträger des Hasselblad Awards 2020.
Die Preisverleihung sowie die Ausstellung
Whispers and Cries
finden in der Hasselblad Foundation in Göteborg statt.
Klicken Sie hier für weitere Informationen.
Hasselblad Foundation
Ekmansgatan 8
SE-412 56
Göteborg, Schweden
We are pleased to announce that works by James Lewis and Haim Steinbach are featured in the exhibition
LE CLUB DU POISSON-LUNE
November 4, 2021 – March 26, 2022
With works by: Carla Adra, Maurane-Amel Arbouz, Angélique Aubrit et Ludovic Beillard, Aurilian, Flo*Souad Benaddi, Maxime Bichon, Camille Benbournane, Deborah Bowmann, Camille Brée, Hugo Brillet, Elize Charcosset, Kevin Desbouis, Lyse Fournier, Esther Gatón, Kinke Kooi, James Lewis, Thiên-Ngoc Ngô-Rioufol, Samuel Nicolle, Claudia Pagès, Gina Pane, Emma Rssx, Segondurante, Haim Steinbach, Nikhil Vettukatil.
The exhibition is curated by the newly appointed chief curator of CAPC, Cedric Fauq.
Please click here for more information.
Künstler*innen: Lutz Bacher, Böhler & Orendt, Fria Elfen, Thomas Gänszler, Lena Göbel, Gábor Koós, Marianne Lang, Patrick Roman Scherer, Ekaterina Shapiro-Obermair, Michael Strasser, Franz Vana, Andreas Werner
Kuratorin: Barbara Horvath
Eröffnung: Sonntag, 10. April 2022, 13 – 18 Uhr
Schwarz ist „das Dunkelste vom Dunklen“; die ursprünglichste Farbe und die Einsamste. Es gibt kein Schwarz im Regenbogen. Dennoch sind die Nuancen, Facetten und Konnotationen des Farbphänomens Schwarz schier unendlich. Nicht aus Zufall blühte einst die „Schwarze Kunst“. Jüngst erfährt diese in der zeitgenössischen Kunst eine bemerkenswerte Renaissance.
Existiert Schwarz überhaupt oder ist es bloß eine Konstruktion des Gehirns? Ist es ein „Nichts ohne Möglichkeit“ oder ist im Schwarz potentiell alles verborgen?
Die Künstler*innen der Ausstellung erkunden im Schwarz ein komplexes Feld der Differenzen. Was schwarz ist und was es zu sein scheint, kann sehr unterschiedlich sein. Denn, dass „was uns schwarz erscheint, ist nur eine Ahnung, etwas Gefiltertes, der Sud. Was wir für Schwarz halten ist ein Bluff“, schreibt Franzobel und betont damit das Unbegreifliche in der Wahrnehmung von Schwarz, aber auch das Angstmachende, das Andere. Besser in Farbe zu sehen, im Bunten, im Hellen zu leben. Im Schwarz verstecken sich Zweifel, Finsternis, Löcher, Magie, die Nacht, Verborgenes und das menschliche Bewusstsein.
Radikale Kunst sei „von der Grundfarbe schwarz“, so finster wie die Realität, der sie standhalten soll, schreibt der deutsche Philosoph Theodor W. Adorno in seiner „Ästhetischen Theorie“. In der aktuellen pandemischen Apokalypse wird die Angst, die Einsamkeit, die Isolation zur Ware. Die Zeit schmerzt, macht nachdenklich, dünnhäutig und schwermütig; schon in der Melancholie steckt die schwarze Galle. Eine neue Sensibilität für Schwarz ist erwacht.
Die Ausstellungsreihe „Graphisches Kabinett" versammelt in drei Episoden Werke von über dreißig Künstler:innen. Über ein Jahr hinweg werden die Medien Druckgrafik und Zeichnung als relevant für die zeitgenössische Kunst und das aktuelle Denken erforscht.
Nach dreijähriger Planung wird das Projekt und die dauerhafte Installation Lichte Nacht der Iris / The Rainbow's Missing Colours im Deutschen Romantik-Museum in Frankfurt am Main eröffnet.
Da die Lichtinstallation mit Sonnenlicht und Heliostat operiert, findet die Eröffnung nur statt, wenn für diesen Tag Sonnenschein vorhergesagt ist. (Ausweichtermin am Folgetag oder im September 2022).
Anmeldung zur Eröffnung unter folgender Adresse: info@freies-deutsches-hochstift.de
Wir freuen uns sehr die Teilnahme von Birgit Jürgenssen an der kommenden 59. Venedig Biennale bekanntzugeben. Die Ausstellung mit dem Titel The Milk of Dreams—kuratiert von Cecilia Alemani—findet vom 23. April bis zum 27. November 2022 statt.
"Die persönlichen Leistungen sind es, die zählen. Letzten Endes bleibt nur die gute Zeichnung, das gute Foto, die gute Arbeit." —Birgit Jürgenssen
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The show Every lie has an audience presents a group of artistic practices that observe, deconstruct, and comment upon the complexity of an over-mediated financialized present. Rather than posing a nihilistic political view—whilst using a broad range of approaches—the works in the show critically use subversion, paradox, reaction, brutality, ambiguity, romance, and humor to note and speculate the offering of transformative alternatives for dissent.